展厅前台的年轻人递来印有展览名“中国时刻”字样的幸运饼干（fortune cookie）时，我正在读展墙上的前言。在长久以来以研究属性著称的德国卡塞尔文献展研究所（documenta institut）呈现一个名为“中国时刻：中国当代艺术中个人主义的语境”（The China Moment: Contextualizing Individualism in Chinese Contemporary Art）的展览，其意图起初颇令人困惑。当中国当代艺术在西方长期被当作奇观呈现后，眼前这个展览是延续了这类根深蒂固的误读，还是试图借此打破“异文化猎奇”，从而寻觅被重新审视的可能？这是走进展厅时，我试图弄明白的问题。

在新加坡国家美术馆，相比于主楼层人潮汹涌的波士顿美术馆印象主义特展，“无畏：女性另造的新境” （Fear No Power: Women Imagining Otherwise）在底层展厅以低调但血红的标题构建了一重关于抗争的平行空间。就像在这座以法律和金融秩序为先的城市中，隐藏在城市肌理中的暗涌力量一直在对根深蒂固的权威体系作出微小却不懈的抗争。展览标题下方，参展艺术家之一多洛罗莎·西纳加（Dolorosa Sinaga）的青铜雕塑《我们会抗争》（We Will Fight ，2004/2025）静默而有力地破题：几位女性躯体紧密簇拥，重心前倾，仿佛在共同抵御一股不可见的强压 。这件最初回应印尼政府强制清拆贫民窟的作品，在此刻为整个展览定下了基调：一种源于彼此倚靠的集体韧性。正如策展人罗欣宜（Joleen Loh）所言，这种姿态并非单纯的苦难叙事，而是一种集体力量的生成方式——女性并不是孤立的主体，而是在共同经验之中逐渐形成抵抗与行动的能力。

1985年，罗伯特·劳森伯格（Robert Rauschenberg, 1925—2008）自费在北京中国美术馆举办个展，为此支付了2.6万美元场地费；展览中的作品，大多为他在旅行途中完成的驻地创作。事实上，得益于战后美国民航业的崛起，劳森伯格早于20世纪60至70年代，便开启了与日本、印度艺术家及手艺人的交流及驻地项目。为纪念劳森伯格诞辰100周年，罗伯特·劳森伯格基金会（Robert Rauschenberg Foundation）开启了一系列全球性的活动和展览，其中便包括于2025年冬季在香港M+博物馆开幕的 “劳森伯格与亚洲” ，作为首个全面梳理劳森伯格在亚洲足迹及影响的展览，既呈现了这位艺术家冷战时期的亚洲经验，也揭示出了早期全球化艺术界潜藏的机遇与挑战。

1934年2月，人类学家列维·斯特劳斯（Claude Lévi-Strauss）乘船前往巴西桑托斯港，他后来在《忧郁的热带》里回忆这段经历，写道：“移动本身创造了一种在本质上比静止更完美的平静”[2]。在香港大馆当代美术馆（Tai Kwun Contemporary）所在建筑的步梯墙面上，他在书中描绘海上日落的文字在两条LED屏里向上滚动，如同马路上的双黄线，以及时刻处在前进中的车流，橙黄色的灯光打在沥青路面的背景上。艺术家马秋莎在这件名为《优山美地》（2019）的作品里呈现了城市生活里的一段孤独而封闭的时空。在城市之中的公路上，在港口连接港口的航道里，人类与货品搭乘着现代工业制造的“载具”，投身于不同的劳动之中，使现代时钟的齿轮不歇地转动。

粤港澳大湾区（GBA）是一个由香港、澳门两个特别行政区以及广东省内广州、深圳、珠海、佛山、惠州、东莞、中山、江门、肇庆九市组成的城市群，其基本区域概念建立在“一国两制”的制度创新与“一小时生活圈”的物理连通之上。作为中国经济实力最强、人均GDP最高的区域之一，其密集的基础设施与资源流动不仅筑牢了经济根基，更为大湾区的当代艺术网络提供了动力，这里也拥有了切实整合艺术市场、机构与艺术生产的现实力量。

“不要在地图上寻找亚历山大。”如今已96岁高龄的埃及艺术家、诗人艾哈迈德·莫尔西（Ahmed Morsi）在一次访谈中说道，“它无处可寻、永恒存在。它是一个超越了时空的地方。一个超脱于现实框架的地方只能存在于想象之中——在我的想象之中，因为在某种意义上，是我创造了它。而我命中注定要去寻找它。”[1]在第四次中东战争爆发后的第二年，他与家人定居纽约，至今已逾五十年。

距2025年5月在威尼斯普拉达基金会的全球首展时隔约十个月后，“图式：AMO/OMA项目”（Diagrams: A Project by AMO/OMA，下文简称“图式”） 落地Prada荣宅。这是一场关于图表的历史研究展，由AMO/OMA事务所策划[1]。该项目得益于普拉达基金会与OMA事务所创始人雷姆·库哈斯（Rem Koolhaas），以及OMA事务所主创建筑师朱利奥·马尔格里（Giulio Margheri）在紧密合作下开展的广泛研究。作为此次展览策展人之一，朱利奥·马尔格里在接受《艺术新闻》专访时表示：“图式一直被广泛应用，但没有真正被研究过。这次展览让我们有机会对其进行收藏和展示。”

三月春季伊始，《艺术新闻》特别推荐本月值得关注的18档艺术机构展览。从北京、上海、广州、深圳至香港，这些展览在不同城市中，以各自的方式回应时间、知识与全球流动，指向一个正在重新定义自身位置的中国当代艺术现场。

在2026年春季，全球艺术机构再次进入一年中最密集的展览周期：从纽约和悉尼的两场双年展，到伦敦各大美术馆密集展开的女性艺术家个展与回顾展，再到沙迦、新加坡等地区的活跃，以及中国艺术和亚洲艺术家能见度的转变，这一系列项目像是一种知识生产机制，通过策展框架将不同时间、地域与政治经验连接在一起。在这些展览中可以看到几个不断出现的关键词：关系、记忆、身体、技术、性别与全球南方。它们不仅构成了当代艺术展览的主题，也反映了艺术机构在一个不稳定世界中试图重新理解历史与未来的努力，呈现出一种复杂而互相交织的图景。

纽约大都会博物馆的现代艺术展区只呈现了不到5%的女性艺术家作品，而85%被描绘的裸体都是女性——这是匿名女权艺术行动团体游击队女孩（Guerilla Girls）在1989年所做的海报《女性一定要裸体才能进入大都会博物馆吗？》上的内容。游击队女孩是1985年于纽约成立的匿名女权主义团体，她们以“重新定义女权主义”（REINVENTING THE 'F' WORD: FEMINISM）为口号，致力于对抗艺术界广泛存在的性别与种族不平等现象。她们利用海报、书籍、公开演出等形式揭露艺术圈内的歧视现象，并通过戴上大猩猩面具、使用已故女艺术家的名字作为代号等方式保持匿名。她们认为，隐蔽身份是因为议题比个人身份更重要：“我们想要专注在议题之上，而非我们的人格或我们的工作。”